quinta-feira, 13 de junho de 2013


MATERIAL DE ESTUDOS

ARTES-TOTALIDADE-8

ArteGótica
    O estilo Gótico surgiu na França, durante a Idade Média, com a construção da catedral de Saint-Denis, e se espalhou rapidamente pela Europa, é identificado como a Arte das Catedrais, e fortaleceu o movimento cruzadista e o papel da Igreja na sociedade. 

O termo Gótico vem da palavra “godos” e foi utilizada pelos italianos renascentistas, que consideravam a Idade Média como a idade das trevas, época de bárbaros, no entanto, atualmente, o termo já não expresso mais o sentido depreciativo que lhe fora impresso no passado. A principal expressão da arte gótica foi à arquitetura, representada pelas construções

de imponentes igrejas, que levava em torno de 300 anos para ficarem prontas. Então as cidades começavam a nascer ao redor das catedrais, por conta do elevado número de trabalhadores envolvidos na obra. A escultura gótica desenvolveu-se paralelamente à arquitetura das Igrejas, procurando expressar o ideal de beleza da divindade.

 

Aarquitetura
Uma das características da arquitetura veio da arte etrusca (natural de Toscana Itália), por meio do uso da abóbada  nas construções. Essas estruturas diminuíram a utilização das colunas gregas e aumentaram os espaços internos no final do século I d.C., Roma havia superado as influências desenvolvendo criações próprias.
Os templos tinham uma arquitetura diferente: no pórtico de entrada, havia uma escadaria, as laterais se diferenciavam da entrada e não tinham a mesma simetria (forma e posição relativas de partes situadas em lados opostos).
Para fugir da inspiração (idéia ou pensamento que surgem de repente) grega os romanos criaram templos, valorizando os espaços interiores, como exemplo:

O Panteão, (Templo em que os gregos e os romanos consagravam todos os deuses), em Roma, construída durante o reinado do Imperador Adriano.  Ele é o primeiro templo pagão (burro) ocupado por uma igreja cristã, devido a sua estrutura arquitetônica. 

Escultura
Na escultura, os romanos eram muito diferentes dos gregos em alguns aspectos. Apesar de apreciarem a arte, eles não representavam o ideal de beleza, mas a cópia fiel das pessoas, buscando retratar traços particulares. Um exemplo disso é a estátua do imperador romano, Augusto numa cópia do Doríforo (uma da mais conhecida escultura da antiguidade) dos gregos, o artista detalhou as feições reais do Imperador, a couraça e as capas romanas. Essa preocupação também foi encontrada em relevos esculpidos, pois eles buscavam representar acontecimentos e pessoas que participaram dele. Ex. 
 

Coluna de Trajano: construída no século I da era cristã, apresenta a luta do imperador romano com os exércitos romanos na Dácia.

Coluna de Marco Aurélio: construída um século depois, retrata a vitória dos romanos sob um povo da Alemanha do Norte.

A influência da arte romana veio da cultura etrusca, arte popular que retratava o cotidiano e da cultura Greco, expressando o ideal de beleza, em diferentes regiões da Itália. Sua civilização surgiu por meio de lendas e mitos.

Sem dúvida, os romanos contribuíram muito com a arte, tendo um espírito prático e apto para construir teatros, templos, casas, aquedutos, etc. No início do século III, eles começaram a enfrentar lutas internas, por causa da entrada dos povos bárbaros (povo que habitava a região da Europa situada além das fronteiras do Império). A preocupação com a arte diminuiu e no século V, o Império Romano entra em decadência e é dominado pelos invasores germânicos. (os bárbaros).

ARTE CONTEMPORANEA PORTINARI-TOTALIDADES 8, 9             

As pessoas não compreendem a arte contemporânea. E muitas ainda torcem o nariz para ela, sem ao menos entendê-la. Até os próprios artistas a subestimam e a depreciam, dizendo que qualquer coisa hoje em dia é arte. Claro que não estou generalizando.
É certo que tem muita coisa esquisita, no sentido de que não tem um conceito ou uma poética ao menos razoável. E nem uma beleza plástica visual. Sempre se fez arte segundo os parâmetros da sociedade da época. A arte sempre foi fruto dos acontecimentos contemporâneos; desde a Idade Antiga. Não poderia ser diferente atualmente. Até mesmo num mundo tão conturbado quanto o atual, onde tudo acontece muito rápido, a efemeridade é por vezes comum e vários acontecimentos passam como um turbilhão sobre os outros; sem que sequer tenhamos tempo para compreendê-los ou percebermos. Hoje a forma de fazer arte é tão vasta, que às vezes se pensa que não há mais nada a fazer, ou que qualquer coisa é considerada arte. E as pessoas ainda estão muito vinculadas com a arte clássica; renegando, por muitas vezes, outras formas de expressões artísticas.
Cabe ao artista fazê-la ser entendida, tem de haver o diálogo entre artista, obra e público. Hoje existe este diálogo. Apesar de ainda não ser suficiente. E isso tem feito da arte novas formas de ser entendida e feita.  O problema maior é o desinteresse do público em geral pela arte; as pessoas não freqüentam mais as galerias, os museus como antigamente! A cultura principalmente baiana está vinculada ao pagode de baixa qualidade, falemos a verdade; e aos programas sensacionalistas da TV!! (É o que as classes mais baixas têm como estilo de vida: pagode, bar, TV, trabalho (mal-remunerado) para depois gastar com tudo isso) e pronto! É realmente muito triste tudo isso. Como artista sempre me questiona o que devo fazer para tornar a arte mais próxima ao público. Principalmente ao público em que nem sabe o que é arte!! É preocupante e assustador.

Vejo que tudo parte da educação mesmo. E uma educação doméstica como ponto de partida. Acredito que o público deixou de ter estes hábitos saudáveis de visitar galerias, museus e outras formas de expressões artísticas; porque querem algo imediato e fácil. E isso já acontece há muito tempo! A evolução tem se dado de forma escandalosamente rápida; tudo é muito imediato, as pessoas buscam respostas rápidas aos seus prazeres, querem que tudo seja realizado hoje, agora; a internet tornou as pessoas mais digitais que pessoais; e elas não "perdem tempo" para contemplar o belo, para curtir um pôr do sol, para conversar com os amigos sobre quaisquer assuntos; para sentir; esse é o termo. Sentir. As pessoas não param o seu tempo para desacelerar e sentir. No que tange centrar-se e olhar para dentro. Parar um pouco. Tudo o que realmente tem valor está se tornando indiferente por conta deste imediatismo. 

arte contemporânea  é construída não mais necessariamente com o novo e o original, como ocorria no Modernismo e nos movimentos vanguardistas. Ela se caracteriza principalmente pela liberdade de atuação do artista, que não tem mais compromissos institucionais que o limitem, portanto pode exercer seu trabalho sem se preocupar em imprimir nas suas obras um determinado cunho religioso ou político. Os artistas nunca tiveram tanta liberdade criadora, tão variada recursos materiais em suas mãos. As possibilidades e os caminhos são múltiplos, as inquietações mais profundas, o que permite à Arte Contemporânea ampliar seu espectro de atuação, pois ela não trabalha apenas com objetos concretos, mas principalmente com conceitos e atitudes. Refletir sobre a arte é muito mais importante que a própria arte em si, que agora já não é o objetivo final, mas sim um instrumento para que se possa meditar sobre os novos conteúdos impressos no cotidiano pelas velozes transformações vivenciadas no mundo atual. 

Leia o texto e assinale as alternativas corretas:

1-De acordo com o texto a arte contemporânea está caracterizada pela:

a) Liberdade de cada artista se expressar.                                   b) Nos movimentos modernistas, por exemplo...

c) A arte contemporânea é construída com o original.              d) Caracterizo com movimentos vanguardas.

2-O artista contemporâneo pode trabalhar com:

a) objetivos e reflexão           b) analise e desejos             c) conceitos e atitudes      d) apenas atitudes 

3-Vejo que tudo parte da educação mesmo. E uma educação doméstica como ponto de partida. Acredito que o público deixou de ter estes hábitos saudáveis de visitar galerias, museus e outras formas de expressões artísticas; porque querem algo imediato e fácil. Este parágrafo está afirmando que uma boa educação começa...

a) na escola       b) na igreja       c) na comunicação           d) na família 

4-O problema maior é o desinteresse do público em geral pela arte; as pessoas não freqüentam mais as galerias, os museus como antigamente! A cultura principalmente baiana está vinculada ao pagode de baixa qualidade, falemos a verdade; e aos programas sensacionalistas da TV! (É o que as classes mais baixas têm como estilo de vida: pagode, bar, TV, trabalho (mal-remunerado) para depois gastar com tudo isso) e pronto! É realmente muito triste tudo isso. Este parágrafo está afirmando que o publico que visita galerias de artes é:

a) classe baixa        b) classe alta        c) media e alta         d) todas as classes 

Cândido Portinari

Cândido Portinari foi um dos pintores brasileiros mais famosos. Este grande artista nasceu na cidade de Brodowski (interior do estado de São Paulo). Destacou-se também nas áreas de poesia e política.

Durante sua trajetória, ele estudou na Escola de Belas-Artes do Rio de Janeiro; visitaram muitos países, entre eles, a Espanha, a França e a Itália, onde finalizou seus estudos.

No ano de 1935 ele recebeu uma premiação em Nova Iorque por sua obra "Café".

 Deste momento em diante, sua obra passou a ser mundialmente conhecida.

Dentre suas obras, destacam-se: "A Primeira Missa no Brasil", "São Francisco de Assis" e Tiradentes". Seus retratos mais famosos são: seu auto-retrato, o retrato de sua mãe e o do famoso escritor brasileiro Mário de Andrade.

No dia seis de fevereiro de 1962, o Brasil perdeu um de seus maiores artistas plásticos e aquele que, com sua obra de arte, muito contribuiu para que o Brasil fosse reconhecido entre outros países. A morte de Cândido Portinari teve como causa aparente uma intoxicação causada por elementos químicos  presentes em certas tintas. 

Características principais de suas obras:

- Retratou questões sociais do Brasil;

- Utilizou alguns elementos artísticos da arte moderna europeia;

- Suas obras de arte refletem influências do surrealismo, cubismo e da arte dos muralistas mexicanos;

- Arte figurativa, valorizando as tradições da pintura.

Foi reconhecidamente um dos mestres da arte do século XX. É considerado um dos artistas mais famosos e versáteis de todo o mundo, tendo criado milhares de trabalhos, não somente pinturas, mas também esculturas e cerâmica, usando, enfim, todos os tipos de materiais. Ele também é conhecido como sendo o co-fundador do Cubismo, junto com Georges Braque.

Nasceu na cidade de Málaga, em Andaluzia, região da Espanha, e recebeu o nome completo de Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios e outros. 

Tarsila do Amaral  foi uma pintora e desenhista brasileira e uma das figuras centrais da pintura brasileira e da primeira fase do movimento modernista brasileiro. Seu pai herdou a fortuna e diversas fazendas, onde Tarsila e seus sete irmãos passaram a infância. Desde criança, fazia uso  de produtos importados franceses e foi educada conforme o gosto do tempo.

 Sua mãe passava horas ao piano e contando histórias dos romances que lia às crianças. Tarsila do Amaral estudou em São Paulo no Colégio Sion. E completou os estudos em Barcelona, na Espanha.

Tarsila se uniu a Oswald de Andrade e o casal viajou por Portugal e Espanha. De volta a Paris, estudou com os artistas cubistas,  conheceu Pablo Picasso e tornou-se amiga do pintor Fernand Léger, visitando a academia desse mestre do cubismo, de quem Tarsila conservou, principalmente, a técnica lisa de pintura e certa influência do modelado legeriano.. 

Fases Pau-Brasil e Antropofagia

Em 1924, em meio a uma viagem de "redescoberta do Brasil" com os modernistas brasileiros e com o poeta franco-suíço Blaise Cendrars, Tarsila iniciou sua fase artística “Pau-Brasil”, dotada de cores e temas acentuadamente tropicais e brasileiros, onde surgem os "bichos nacionais"(mencionados em poema por Carlos Drummond de Andrade), a exuberância da fauna e da flora brasileira, as máquinas, trilhos, símbolos da modernidade urbana.

Tarcila realizou sua primeira exposição individual, na Galeria Percier, em Paris. Em seguida Tarsila pinta o Abaporu, cujo nome de origem indígena significa "homem que come carne humana", obra que originou o Movimento Antropofágico, idealizado pelo seu marido. O Abaporu é o quadro mais importante já produzido no Brasil Tarsila pintou o quadro para dar de presente para o escritor Oswald de Andrade, seu marido na época. Quando ele viu a tela, assustou-se e chamou seu amigo o também escritor Raul Bopp. Ficaram olhando aquela figura estranha e acharam que ela representava algo excepcional.

Foi aí que Osvald escreveu o Manifesto Antropófago e criaram o Movimento Antropofágico com a intenção de ”deglutir” a cultura européia e transformá-la em algo bem brasileiro. Abaporu é um quadro em pincel sobre tela da pintora brasileira. Hoje, é a tela brasileira mais valorizada no mundo, tendo alcançado o valor de US$ 1,5 milhão, pago pelo colecionador argentino Eduardo Costantini.

 

La belleza, todo su historia. 

Ahora que la belleza está más de moda que nunca (o eso es lo que parece mirando las revistas), no nos vendrían nada mal reflexionar un poco sobre este tema, porque la belleza no  es solo algo que se ve, sino también un concepto. ? Qué es lo bello?  ? Quién decide lo que es bello? Esta es una pregunta que nos debemos hacer. Por de pronto, la belleza no es algo inmutable; cambia con las culturas o las épocas. Todos recordamos las mujeres  de Rubens, blancas y llenas, tan distintas a las flacuchas minifalditas de los años sesenta. Y así, podemos hacer mil comparaciones.

En Egipto ya existían decálogos (conjunto de normas), de belleza femenina y masculina, no tan distintos a los que predominan hoy. Entonces se buscaba que la figura tuviera una apariencia divina: talla esbelta, ojos grandes, labios carnosos, piernas delgadas (ellas) espaldas anchas (ellos). En fin...Cleopatra tendría ahora  mucho éxitos embargo esta idea de belleza se fue transformando: en el mundo clásico  de Grecia y Roma se buscaba la harmonía, la combinación; pero en la Edad Media  la belleza empieza a variar, y se pone de moda el cabello rubio (hasta entonces, siempre había sido negro), el rostro alargado, casi  gótico, los labios finos y los senos pequeños...

En el Renacimiento, como bien sabemos, se vuelve a mirar hacia Grecia en todo, incluso en la belleza. Y luego ya, en el Barroco, es cuando se revoluciona  este concepto y lo que gustan son esas mujeres carnosas-que tan bien refleja Rubens en el cuadro Las Tres Gracias, de 1639.        

                                              Escrito por José María Guzmán

1-Este texto fala de:

a) antiguidade     b) beleza       c) Idade Média       d) modelos 

2-Em que época começou a variar a questão de gosto pela beleza?

a) Idade Média   b) Renascimento c) Idade Antiga    d) Contemporânea 

3-Antes das mulheres loiras, no mundo clássico eram usados cabelos...

a) ruivo        b) grisalho     c) castanho     d) preto 

4-De acordo com o primeiro parágrafo podemos afirmar que:

a) A beleza não está no todo.        b) A beleza depende de cada um.  

 c) A beleza é um conceito.          d) A beleza é relacionada a elegância. 

5-O trabalho de Rubens era direcionado a um estilo de mulheres...

a) morenas-magras  b) brancas-gordas  c) loiras-magras     d) morenas-gordas 

6-No Egito já existia na época normas diferente, das que predominam hoje... por isso eram procurada mulheres...

a) magras pernas finas, olhos e lábios grandes.   b) gordas pernas finas e olhos grandes

c) franzinas com pernas grossas e olhos pequenos      d) magríssimas com pernas finas e olhos pequenos  

PAUL CÉZANNE-PINTOR FRANCÊS-TOTALIDADE 9

Cézanne, filho ilegítimo de um rico banqueiro, nasceu na França em 1839. Quis ser artista desde a infância, porém seu pai desaprovava. O medo da insegurança - por ser adotado - e o medo de seu autoritário pai, o perseguiram por toda a vida. Mas aos 22 anos conseguiu ir para Paris estudar arte e conviver com artistas. Era um jovem com grandes momentos de depressão e seus sentimentos de baixa-estima o levaram a destruir muitas de suas obras. Era desesperado por ser aceito na elite artística de Paris. Assim voltou mais tarde para sua. Ao lado de seu grande amigo Émile Zola tornou-se ativamente político e revolucionário. Dizia que o artista é um mero gravador de percepções sensoriais e que poderia revolucionar a pintura apenas com uma maçã... De fato, suas naturezas mortas são grandiosas pela espontaneidade dos tons. Com o tempo sua pintura tornou-se simplificada ao ponto de ser reduzida a limites quase geométricos, quase cubistas, conseguindo efeitos de perspetiva apenas pelo uso da cor. Cidade Aix-en-Provence. Mas em 1862 retornou à Paris para viver como artista. O próprio Cézane definia seu estilo como arquitetônico; ele dava ao corpo uma abstração natural, não queria nada além de superfícies e volumes pictóricos, segundo o russo Malevitch sobre seu quadro Os Banhistas, enchia a tela com volumes e cor, superaCézane levou tempo para ser aceito e reconhecido no mundo das artes, e quase nada vendeu em vida. Quando suas obras foram rejeitadas pelo Salão de Paris, Cézanne foi consumido por uma intensa depressão, mas desta vez perseverando.  

Em 1863, numa exibição alternativa – Salón des Refusés, Cézane expôs ao lado de outros artistas, também rejeitados, como Édouard Monet, Camille Pissarro e Henri Fantin-Latour. Vinte anos mais tarde, a primeira de suas obras foi aceita pelo Salão de Paris.

 Suas primeiras obras eram tristes, sombrias e melancólicas, porém seu estilo mudou na década de 1870, quando se apaixonou por Hortense Fiquet – 19 anos, e com ela teve um filho. Também se ligou aos impressionistas. Mas sempre pensava em algo mais sólido e durável.

Em 1874, embora não se considerasse um impressionista, apresentou suas obras com o grupo. Foi influenciado pela arte flamenca, pintando naturezas mortas com as cores usadas pelos artistas flamencos.

Em 1886 ficou muito magoado com seu amigo Émile Zolá (amigos desde o collêge Borbon – 1852) pela semelhança do personagem do seu romance L'Oeuvre, contando a história de um artista fracassado... Nesse mesmo ano casa-se com Hortense da qual nasce seu filho. 

Ao saber de sua família, seu pai reduz muito a ajuda financeira; porém é ajudado pelo amigo e escritor Émile Zolá o qual mais tarde vendo o luxo em que Zolá vivia, Cézanne fica desconcertado e afasta-se do amigo. Seu pai morre pouco depois lhe deixando uma fortuna considerável. Mais tarde volta a morar em Aix enquanto sua família fica em Paris.
Sucedem, após, várias exposições o qual vende seus quadros alcançando preços muito bons. Em 15 de outubro, diabético, adquire pneumonia vinda a falecer.

Segundo Pablo Picasso: Meu primeiro e único mestre, Cézane foi um pai para todos nós.

Foi ousada no uso da cor, perspectiva inovadora, preocupava-se com formas geométricas e fazia um perfeito intercâmbio entre luz e sombra. 

Suas primeiras obras eram tristes, sombrias e melancólicas, porém seu estilo mudou na década de 1870, quando se apaixonou por Hortense Fiquet – 19 anos, e com ela teve um filho. Também ligou-se aos impressionistas. Mas sempre pensava em algo mais sólido e durável. 

Em 1874, embora não se considerasse um impressionista, apresentou suas obras com o grupo. Foi influenciado pela arte flamenca, pintando naturezas mortas com as cores usadas pelos artistas flamencos.

 

Nenhum comentário:

Postar um comentário